Archivi Spettacoli - Pagina 91 di 401 - I Teatri di Reggio Emilia

Persephassa

I percussionisti sistemati ai vertici di un esagono circondano il pubblico, che si trova così immerso nel flusso turbinoso degli eventi sonori. Il pezzo prevede un’ampia gamma di percussioni, di pietra, metallo, legno e pelli: dai ciottoli di mare al simantro greco-bizantino (modificato da Xenakis), da diversi tipi di gong alla sirena a bocca…

Progressivamente, la musica trascina l’uditorio in un vortice sempre più accelerato, ripetitivo e spazialmente rotante, scosso imprevedibilmente da colpi bruschi che spezzano l’incantamento.

Crediti

ZAUM_percussion: Simone Beneventi, Carlota Caceres, Lorenzo Colombo, Gabriele Genta, Matteo Savio, Marta Soggetti
produzione Fondazione I Teatri / Festival Aperto
in collaborazione con Eutopia Ensemble – Le Strade del Suono

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Nederlands Dans Theater 2

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FATHOMS

Tentativi
di misurare le profondità,
di capire,
di recuperare le distanze tra noi,
di lottare contro la risacca,
e di ricordare la vivacità del cuore umano.

David Raymond e Tiffany Tregarthen

Dal sodalizio fra i danzatori e coreografi canadesi David Raymond e Tiffany Tregarthen nasce la compagnia Out Innerspace Dance Theatre. Provenienti da esperienze diverse – il primo con una formazione nella danza urbana, popolare e classica, la seconda come danzatrice di tap dance, balletto, jazz e modern – iniziano a collaborare nel 2004 durante una residenza ad Anversa, in Belgio. Impegnati in veste di danzatori con numerose compagnie internazionali, da oltre dieci anni creano innovative che sovvertono l’ordine e la disciplina della danza contemporanea, forzandone forma e contenuto.

BEDTIME STORY

«Il piccolo momento segreto tra il sonno e la coscienza è quello in cui realizzo i miei sogni. Di recente ritorno ai sogni di una volta. Da bambino sognavo i serpenti. Ogni mattina mi sorprendevo di ricordarli nei minimi dettagli, anche se non capivo perché mi visitassero in sogno. Anche se ho paura dei serpenti, ogni volta che ci siamo incontrati in sogno non mi hanno minacciato, non ho mai avuto paura. Oggi capisco che questi serpenti sono io di fronte al mondo e di fronte a me stesso. Sto affrontando le mie paure e seguendo le mie convinzioni. Invece di scappare dalla memoria, ho deciso di esplorarla. Invecchiando, tendiamo ad abbandonare i nostri sogni. Dovremmo riappropriarci del bambino che è in noi. Quello che non ha paura di cadere, quello che vive la vita ed è incuriosito dallo scoprire. Quello che sa che tutti i sogni possono avverarsi. Il bambino che è in noi ha il potere di ridere, di eccitarsi e di soddisfare tutto ciò che è suo desiderio». (Nadav Zelner)

Nadav Zelner

Nadav Zelner è nato nel 1992 a Ramla, Israele. Nel corso degli anni ha costruito un linguaggio di danza unico e recentemente ha iniziato a sviluppare una sua nuova tecnica di danza. È stato invitato a creare balletti per compagnie di tutto il mondo, tra cui la Batsheva Dance Company, Gauthier Dance Company, St.Gallen Theatre, Stanislavsky Ballet, Augsburg Ballet, Introdans, Stadttheater Bremerhaven, Chinese International Chongqing Ballet Company. Nadav è stato invitato dalla prima ballerina Ekaterina Shipulina del Bolshoi Ballet a creare per lei un assolo chiamato Ikra.

THE BIG CRYING

«Chi conosce i lavori di Marco Goecke sa che hanno sempre a che fare con se stesso e con il tempo in cui sono stati creati. Forse The Big Crying è il pezzo più intimo di Goecke, iniziato nell’autunno del 2020, poco dopo la morte di suo padre. È un pezzo sull’addio e su tutto ciò che dobbiamo bruciare, dice il coreografo, parlando di corpi che sono come motori rotti e di costumi che ricordano le tende di un carro funebre. Non sorprende che la sua scelta musicale includa una ninna nanna della morte: Blood Roses della cantante americana Tori Amos la cui musica – poesia a volte confusa e non sempre comprensibile molto vicina alla danza di Goecke – colpisce nel segno. Il fatto che questo pezzo si accompagni comunque alla brillante potenza di un’intera compagnia, diciannove ballerini eccezionali, è forse dovuto al fatto che, nonostante tutta la caducità, la danza e la coreografia celebrano la gioia di vivere e la smania di essere vivi». (Nadja Kadel)

Marco Goecke

Marco Goecke (1972, Wuppertal) è entrato a far parte dell’NDT come coreografo associato nella stagione 2013-2014. In precedenza, ha creato Nichts (NDT 2, 2008), Garbo Laughs (NDT 1, 2012), Hello Earth (NDT 1, 2014), Thin Skin (NDT 1, 2015 – Nominato come Miglior Coreografo al Dutch dance Zwaan Awards 2015′) , Woke up Blind (NDT 1, 2016) Midnight Raga (NDT 2, 2017; vincitore dei Dutch Zwaan Awards come “coreografia più notevole 2017”) e Wir sagen uns Dunkles (NDT 2, 2017). Durante la stagione del sessantesimo anniversario, Goecke ha creato Kunstkamer (2019) insieme a Paul Lightfoot & Sol León e Crystal Pite. Il suo lavoro più recente è The Big Crying (2021) per NDT 2. A partire dalla stagione 2019-2020 Goecke detiene la direzione del balletto allo State Ballet Hannover.

PROGRAMMA DI SALA

Crediti
FATHOMS
coreografia David Raymond e Tiffany Tregarthen
assistenti alla coreografia Lydia Bustindy, Ander Zabala, Spencer Dickhaus
musiche Zibaldone III of CVX (original: Berceuse Héroïque): Protesta Humana, Zibaldone III of CVX – Fleurs pour Simone Part 1 & Part 2
Regno Maggiore: Oracolo. Autorizzata da Gang of Ducks
Cevdet Erek: Dycicles. Autorizzata da Subtext Recordings entity of Multiverse LTD
Bendik Giske & Caterina Barbieri: Fantas for Saxophone and Voice. Autorizzata da Warp Records & Warp Publishing
Piano: Samuel van der Veer
Voce: Omani Ormskirk
luci James Proudfoot
scene e costumi Tiffany Tregarthen & David Raymond
Prima mondiale 21 aprile 2022, Amare – L’Aia

BEDTIME STORY
coreografia Nadav Zelner
assistenti prove Lydia Bustinduy, Francesca Caroti, Ander Zabala
musiche Andre Hajj & Ensemble: Mir; Ez-zouhour: Sidi Mansour / Baba Bahri. Su concessione di ARC Music Productions Int. Ltd
Al Ajaleh: Bat Sheva Music
Mohammed Abdu: Allah Alaiha, Al Rasayel & Mahma Ygolon
su concessione di Rotana Music
luci Tom Visser
costumi Maor Zabar
editing suono Matan Onyameh
Prima mondiale 4 Novembre 2021, Amare – L’Aia

THE BIG CRYING
coreografia Marco Goecke
musiche
Rorogwela:Death Lullaby; Electricity feat. Fire Eater: Indlela Yababi; Extreme Music From Africa (Susan Lawly, 1997)
Tori Amos: Beauty Queen, Marianne (arranged by John Philip Shenale), Blood Roses, In the springtime of his voodoo, Bells ‘For Her’
Published by Downtown Music Publishing. (P) Atlantic Recording Corporation, A Warner Music Group Company. Losing my Religion. Published by Night Garden Music
editing suono Jesse Callaert
drammaturgia Nadja Kadel
luci Udo Haberland
scene e costumi Marco Goecke
Prima mondiale 18 marzo 2021, Zuiderstrandtheater – L’Aia

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Baro d’evel / SPETTACOLO CANCELLATO

Due esseri alla ricerca del loro animale interiore
perché l’umanità li sorpassa
perché hanno perso il loro istinto
perché il mondo va troppo veloce,
troppe parole, troppe lettere.
Vogliono trovare le loro prime sensazioni
preparandosi, cercando nei dettagli della vita quotidiana
le porte aperte verso l’inizio di tutto
prima degli uomini in piedi,
prima degli uomini pensanti,
essere nulla di più di quattro gambe
respirare, soffiare, respirare,
per trovare il primo respiro, il punto di partenza
essere un essere che respira e guarda il mondo.

Crediti

creazione e direzione Camille Decourtye e Blai Mateu
interpreti Julien Cassier, Marlène Rostaing e il cane Patchouka
collaboratori Benoît Bonnemaison-Fitte, Maria Muñoz e Pep Ramis
disegno luci Adele Grépinet sound designer Fanny Thollot costumi Céline Sathal ritmo e consulenza musicale Marc Miralta ingegnere degli oggetti di scena Thomas Pachoud costruzione Laurent Jacquin

produzione Baro d’evel coproduzione Théâtre de la Cité – CDN Toulouse Occitanie, MC93 – Maison de la Culture de Seine- Saint-Denis, Teatre Lliure de Barcelone, le Parvis – scène nationale Tarbes-Pyrénées, Malakoff scène nationale – Theatre 71, Romaeuropa Festival, L’Estive, scène nationale de Foix et de l’Ariège; residenze Théâtre de la Cité – CDN Toulouse Occitanie; L’Estive, scène nationale de Foix et de l’Ariège
con il sostegno di DGCA, Ministère de la Culture et de la communication, the Haute-Garonne County Council, Città di Tolosa

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Pierrot REDUX

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lIBRETTO DI SALA

Note di composizione di Massimiliano Viel

La maschera diventa qui emblema della soggettività sperduta di oggi, immersa in una realtà fluida dominata dalle istanze oppressive del mondo che finiscono col minarne il senso di realtà e le possibilità di autonomia. Unica via d’uscita è quella malinconia e rabbia violenta, che sono tipici del Pierrot di Albert Giraud, poeta belga autore delle 50 poesie della raccolta Pierrot lunaire: Rondels bergamasques, che è alla base sia del lavoro di Schoenberg che di quello presente.

Qui, come in Schoenberg, dominano i numeri 3, come le parti dell’opera ma anche degli strati compositivi che la percorrono, e 7, come i brani per ciascuna parte, ma anche il numero delle funzioni che ne definiscono l’armonia. È però soprattutto il 2, che è l’espressione di un dialogo con il lavoro di Schoenberg, a determinare lo sdoppiamento dei personaggi e dell’ensemble strumentale, tra il quintetto del Pierrot Lunaire da un lato e due strumenti caratterizzanti del Novecento, cioè le percussioni e la tastiera elettronica, ancora 7.

Il rapporto con il compositore viennese viene sviluppato come un processo di emancipazione che si avvia dalla prima parte, in cui vengono sostanzialmente usati gli stessi testi nello stesso ordine, fino alla terza, in cui vi sono prevalentemente testi che Schoenberg non aveva scelto e in cui la citazione del suo lavoro viene relegata sullo sfondo e resa quasi totalmente irriconoscibile.

Se la prima parte, dedicata al soprano, è dunque quella più “tradizionale” in cui sono ancora riconoscibili le istanze del Pierrot Lunaire, la seconda parte, dedicata al baritono, è l’irruzione del mondo esterno, ormai globale e incontrollato. La terza parte, in cui sono prevalenti i duetti, cerca, pur sempre senza abbandonare totalmente il registro del grottesco, di alludere, per quanto può farlo un brano musicale o una poesia simbolista, ad alcuni nodi importanti nella costruzione della soggettività contemporanea, come l’avidità funzionale al capitalismo, l’abnegazione alle false verità proposte dai media, la costruzione di un mondo come lo specchio del sé individuale e il senso, sempre più opaco, di realtà.

Dal punto di vista più specificamente narrativo, il Pierrot Redux, segue le intenzioni di Giraud, corrisposte anche da Schonberg, nel creare una giustapposizione di quadri fortemente caratterizzati da scene e gesti.

Allora, dopo una introduzione in cui i due personaggi (semplicemente, lui e lei) si ritrovano su una panchina ad aspettare l’alba dopo una notte di divertimenti (brano 1), vengono presentati i due personaggi alter-ego di Colombina (2) e del Dandy (3) (ecco un ulteriore sdoppiamento dei personaggi tra realtà e immaginazione) in alcuni quadri che ne rappresentano, in toni satirici, la disperazione, come il teatro, che in realtà allude allo strip club (4), il ballo sfrenato e violento (5) e la seduta spiritica (6). La prima parte si chiude con una “esplosione” puntillistica (7) del corrispondente brano di Schoenberg in cui la malattia della luna si proietta su un soggetto disperso nel mondo, che è qui il soprano tornata nel personaggio di lei e che alla fine esce di scena lasciando il posto al primo intermezzo, un assolo schoenberghiano per clarinetto.

Siamo finalmente alla terza e ultima parte, introdotta dalla supplica congiunta di lui e lei (15) per il recupero di una leggerezza del vivere che Pierrot sembra aver perso. Abbiamo poi una serie di brani (dal 16 al 19) in cui vengono presentati alcuni temi, volti a sottolineare i vizi del contemporaneo, come detto più sopra, i temi rispettivamente dell’avidità, della mania di controllo, dell’egocentrismo e dell’autorità conferita ai media. E infine del senso di realtà, che si annuncia, come l’alba, prima con la sua luce rosea (20) e finalmente con i colori del mondo alla luce del sole (21), in un caos che è a un tempo meraviglioso ma anche faticoso e logorante, e che forse ci fa rimpiangere la gabbia “argentea” del buio e della luna, pronti a rifugiarci nuovamente in essa alla fine del giorno.

Concludo, con una nota. Tra Schoenberg, le citazioni e allusioni musicali e la costruzione di un sistema armonico specifico, il legame musicale dell’opera è sempre soggetto al suo autore e alle sue idiosincrasie. Per questo e proprio per il tema della soggettività contemporanea e del rapporto esplicito con un referente musicale del passato, cioè Schoenberg, ho voluto rendere l’opera un grande flusso di coscienza, in cui frammenti della mio personale mondo musicale si presentano, si mischiano e si trasformano pur, spesso, senza poter essere riconoscibili da gran parte del pubblico. Non si parli quindi di citazionismo o di postmodernismo, ma della tematizzazione di una continua lotta tra le forzate lusinghe di un mondo traboccante di stimoli, che è poi lo stesso in cui vive Pierrot, e la tensione dell’artista verso la costruzione, mai finita, della sua autonomia di soggetto creativo.

Note di regia di Filippo Andreatta

L’ambientazione sonora di Viel parte da due persone, una donna e un uomo, reduci da una notte di bagordi che si fermano a guardare la luna. Una soprano e un baritono, due volti di un solo personaggio che va sdoppiandosi, dividendosi, frammentandosi. La moltitudine di voci, che chiunque porta con sé, prende il sopravvento sgretolando Pierrot. Frantumi che a loro volta diventano personaggi staccati dall’originale ma fusi ad esso, disgregati ma assieme, isolati ma anche all’unisono. Particelle di una soggettività che si ostinano nella notte, in una festa che in realtà è già finita ma che indugia nell’energia di quell’unico corpo infranto, nel procrastinarsi dell’ebrezza. Pierrot Redux è il residuo di un rave party; una transizione fra il cielo notturno e diurno, un’interposizione stellare. Pierrot Redux è un’eclisse; il sole è occluso dalla luna, oscurato, e solo frange di luce e bagliori attraversano la galassia solare non permettendo all’alba di far scemare la festa, al corpo di riunirsi in uno. In questa lenta transizione la luna si frappone fra i resti di Schoenberg e la riscrittura di Viel creando un cono di penombra, un’ombra celestiale che vaporizza il Pierrot Lunaire nei suoi fantasmi contemporanei.

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