I Teatri di Reggio Emilia

Fondazione I Teatri Reggio Emilia

Biglietteria (si apre in una nuova finestra)

Bibilolo

«Bibilolo resterà nell’aria come un piccolo miracolo di fantasia, tenerezza e poesia».
Le Monde, 6 aprile 2021

https://vimeo.com/357241381?embedded=true&source=video_title&owner=4827396

Crediti

regia Arno Fabre
musica Marc Monnet
costruzione e manipolazione oggetti Latifa Leforestier, Eric Dubert (“Pioui”), Arno Fabre
tastiere Lætitia Grisi, Julien Martineau, Stephanos Thomopoulos
progetto luci e video live Frédéric Blin – ricerca e creazione video Frédéric Blin, Joris Guibert
informatica musicale Thierry Coduys, Sylvain Nouguier – produzione e coordinamento Laurence Larrouy, Muriel Dutrait 

produzione e diffusione C15D – coproduzione Printemps des Arts de Monte-Carlo, GRAME Centre national de création musicale Lyon, Greek National Opera, Cerise Music

Con il supporto della Fondazione Nuovi Mecenati – Fondazione franco-italiana di sostegno alla creazione contemporanea
In collaborazione con Dinamico Festival

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Sunday morning

«Nella mia musica in ogni momento può succedere qualsiasi cosa»

Maestro di critica e di sottigliezza, Paolo Castaldi ha sempre respinto l’interpretazione della sua opera come “dissacrante” o “neodadaista” o “divertente”, che la critica ha spesso usato nei suoi confronti. 

Nella sua formazione e nei primi anni di attività, Castaldi ha frequentato gli ambienti più rinomati: è allievo di Giulini per la direzione, per esempio, e a Darmstadt di Boulez, Stockhausen, Ligeti.

Egli tuttavia cessa ben presto ogni collaborazione con l’ufficialità, specialmente quella avanguardistica, la cui funzione considera esaurita. Il suo percorso è di grande originalità e oltrepassa l’àmbito della sola composizione musicale, per spaziare nelle discipline da lui, studioso onnivoro, solidamente possedute: dall’ingegneria alla filosofia, dalla matematica alla letteratura alla pittura. Egli è stato scrittore impervio e sopraffino e conferenziere avvincente, non meno che musicista. 

Il programma di pezzi cameristici per diversi strumenti e piccole formazioni si chiude con un pezzo memorabile che è anche – tra molte altre cose – una sagace critica anti-accademica: Sunday Morning, concepito per non-strumenti. Una miriade d’oggetti d’ogni sorta, dalla sveglia di casa al fogliame secco affidati a un sestetto con direttore.

Un happening all’insegna della provocazione? No, una partitura complessa che esige lettura accurata. 

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Annie Hanauer

Immagino una performance che possa essere allo stesso tempo potente, intensa e disordinata, ma anche edificante e invitante. Insieme a due danzatori e una musicista cercherò la proprietà del corpo, il piacere e il potere, e le idee di “natura” e “naturalezza”, in relazione all’utopia e al corpo con disabilità.

Annie Hanauer

PROGRAMMA DI SALA

Crediti

coreografia e ideazione Annie Hanauer
dramaturg Silja Gruner
interpreti Annie Hanauer, Laila White, Giuseppe Comuniello
composizione e musica dal vivo Deborah Lennie
costumi Valentina Golfieri
disegno luci Marzio Picchetti
audiodescrizione Camilla Guarino 
assistente coreografa Susanna Recchia 

produzione LAC Lugano Arte e Cultura, Teatro Danzabile
in coproduzione con IntegrART – un progetto di rete del Percento culturale Migros
una coproduzione nell’ambito del fondo programmatori di Reso – Rete Danza Svizzera, sostenuto da Pro Helvetia – Fondazione svizzera per la cultura con il sostegno di Fondazione Lugano per il Polo Culturale, Manitou Foundation, Spazio PLIM – creazioni in collaborazione con Franklin University 

Spettacolo inserito nel programma Identità Inquieta

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Voetvolk

Un folle concerto di danza in cui tre musicisti punk e quattro performer dalle gambe snodate danno vita a una festa selvaggia.
Ewoud Ceulemans, De Morge

Crediti

ideazione Lisbeth Gruwez & Maarten Van Cauwenberghe 
coreografia Lisbeth Gruwez e gli interpreti  
performance Wei-Wei Lee, Celine Werkhoven, Artemis Stavridi, Misha Demoustier, Maarten Van Cauwenberghe, Frederik Heuvinck & Elko Blijweert 
musica Dendermonde 
drammaturgia Bart Meuleman 
ripetitrice Francesca Chiodi Latini 
disegno luci Yann Windey
costumi Jean-Paul Lespagnard in collaborazione con Muriel Kunkel e Marcelo Chavira
suono Bart Van Immerseel

produzione Voetvolk vzw
coproduzione KVS – Royal Flemish Theatre, Theater Im Pumpenhaus, Dansens Hus Oslo, Vooruit Ghent, Ancienne Belgique 
residenze Troubleyn, KVS, NONA, Blikfabriek & Arts centre BUDA 

con il sostegno di NONA, the Flemish Community, the Flemish Community Commission (VGC) & the Belgian Tax Shelter 

Con il sostegno della Rappresentanza Generale del Governo delle Fiandre in Italia

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Pierrot Lunaire

In una manciata di mesi, tra il 1912 e il 1913, la prima di Pierrot Lunaire di Schoenberg e quella della Sagra della Primavera di Stravinskij sanciscono la nascita della musica moderna, le sue interne rotture, alfa e omega di una vicenda complicata e avvincente, che prosegue ancora oggi.

Pierrot Lunaire presenta d’un colpo innovazioni epocali: il superamento del sistema tonale, l’invenzione del canto parlato (Sprechstimme), un suono d’ensemble per timbri strumentali isolati (la tradizione tendeva al loro impasto), un rimescolamento di generi ed espressioni che imbrica Lied e teatro, musica cameristica e cabaret, contemplazione e azione, ironia e allucinazione. Per non parlare dei ritrovati formali e del ritorno a una visione contrappuntistica ripensata. Le tre parti del lavoro mostrano ciascuna una propria dominante musical drammaturgica: ironico-satirica la prima, macabra la seconda, malinconica la terza. 

Nel 2009 Sylvano Bussotti scrive Arlequin poupi per mdi ensemble, come pezzo da affiancare al Pierrot Lunaire in concerto. E in dialogo con il lavoro schoenberghiano esso è concepito: stesso organico (meno la voce) e spirito ironico accentuato. In seguito l’ensemble ha sviluppato il binomio scegliendo altre due brevi composizioni di Bussotti, a scandire le tre parti del Pierrot. 

Pierrot Lunaire è altresì punto di riferimento per la creazione del nuovo lavoro di teatro musicale Pierrot REDUX di Massimiliano Viel. 

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Adriano Bolognino

Verso qualcosa che non esiste, esisterà o forse non esisterà mai. Futuro visto non come incertezza ma ricco di speranza.
Una creazione che ha all’interno mancanza e desiderio. Strazio e tenerezza.

La saudade è un’atmosfera, uno stato d’animo, che si presta perfettamente ad essere dipinta tramite l’infinita potenza delle immagini.

Studiando i principali ambiti dove il termine trova espressione ho approfondito la poetica di Fernando Pessoa, scrittore e poeta portoghese che ha scritto molte pagine intrise di Saudade. La sua grande creazione estetica è considerata l’invenzione degli eteronimi, che ha attraversato tutta la sua vita.

Ispirandomi, quindi, alle sue quattro principali personalità letterarie, in scena, quattro danzatrici interpreteranno diversi eteronimi, dotati di autonoma personalità, ognuno dei quali ha avvertito la propria e intima forma di Saudade. Ognuno esiste come singolo ed in relazione agli altri; questo perché la Saudade a differenza della nostalgia o della solitudine è condivisibile, è sperimentale non solo a livello individuale ma anche collettivo. Creare uno stato d’animo che possa essere comune a tutti.

Verso qualcosa che non esiste, esisterà o forse non esisterà mai. Futuro visto non come incertezza ma ricco di speranza.
Una creazione che ha all’interno mancanza e desiderio. Strazio e tenerezza.
La Saudade è un’atmosfera, uno stato d’animo, che si presta perfettamente ad essere dipinta tramite l’infinita potenza delle immagini.

Studiando i principali ambiti dove il termine trova espressione ho approfondito la poetica di Fernando Pessoa, scrittore e poeta portoghese che ha scritto molte pagine intrise di Saudade. La sua grande creazione estetica è considerata l’invenzione degli eteronimi, che ha attraversato tutta la sua vita.

Ispirandomi, quindi, alle sue quattro principali personalità letterarie, in scena, quattro danzatrici interpreteranno diversi eteronimi, dotati di autonoma personalità, ognuno dei quali ha avvertito la propria e intima forma di Saudade. Ognuno esiste come singolo ed in relazione agli altri; questo perché la Saudade a differenza della nostalgia o della solitudine è condivisibile, è sperimentale non solo a livello individuale ma anche collettivo. Creare uno stato d’animo che possa essere comune a tutti. 

Crediti

coreografia Adriano Bolognino
danzatrici Rosaria di Maro, Giorgia Longo, Roberta Fanzini, Giorgia Longo, Noemi Caricchia
video Mattia Napoli

luci Gianni Staropoli
drammaturgia Gregor Acuña-Pohl
management Vittorio Stasi

con il supporto di Orsolina28 Art, Cornelia, Teatro Stabile di Torino, Torino Festival, Fondazione I Teatri Reggio Emilia

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