Crediti
Heart Drive
coreografia Marne & Imre van Opstal
Silent Tides
coreografia Medhi Walerski
Passing
coreografia Johan Inger
Hofesh Shechter Company • Shechter II
Crediti
coreografia e musica Hofesh Shechter
luci Tom Visser
ideazione costumi Hofesh Shechter
musica aggiuntiva composizioni inglesi di Edward Elgar, Tomas Talis, Henry Purcell & William H. Monk
una produzione di Hofesh Shechter Company
co-commissionata da Château Rouge, scène conventionnée – Annemasse, Espace 1789, scène conventionnée danse – Saint-Ouen, Scène nationale de Bourg-en-Bresse, Düsseldorf Festival, Escales Danse.
con il supporto del Théâtre de la Ville Paris, Fondazione I Teatri Reggio Emilia. Residenza creativa a DanceEast, Ipswich.
Hofesh Shechter Company riceve il supporto per il programma Shechter II 2024 da John Ellerman Foundation e Harold Hyam Wingate Foundation e dalla sezione “supporto progetti” della Jerwood Arts towards Jerwood 🖤 SII – attraverso il Continued Professional Development offerto ai danzatori.
Hofesh Shechter Company è sostenuta da fondi pubblici dell’Arts Council England e beneficia del sostegno di BNP Paribas Foundation per la realizzazione dei suoi progetti.
Batsheva Dance Company
Classe di Gaga
domenica 15 ottobre (ore 10.30)
Sala Verdi del Teatro Ariosto
GAGA PEOPLE
Classe di Gaga per tutti
costo 10 euro
domenica 15 ottobre (ore 10.30)
Teatro Cavallerizza
GAGA DANCERS
Classe di Gaga per danzatori professionisti
costo 10 euro
Gaga è un linguaggio creato dal coreografo residente della Batsheva Dance Company, Ohad Naharin, e consiste nell’ascoltare il corpo prima di dirgli cosa fare. Le lezioni di Gaga si basano su un profondo ascolto del corpo e delle sensazioni fisiche. Le istruzioni sono distribuite per aumentare la consapevolezza e amplificare le sensazioni del corpo, le informazioni sono stratificate, costruendo un’esperienza multisensoriale e fisicamente stimolante. Gaga fornisce una struttura per scoprire, rafforzare il corpo e aggiungere flessibilità, resistenza, agilità e abilità, stimolando allo stesso tempo i sensi e l’immaginazione. Le classi offrono un allenamento che indaga sulla forma, la velocità e lo sforzo attraversando morbidezza e spessore, delicatezza e potenza esplosiva.
MOMO rivitalizza il nostro senso di meraviglia, stupore, incanto e spontaneità. Lava via tutte le gerarchie che si sono radicate nella nostra mente. Guardandolo, i nostri sensi incrociano i fili, l’orientamento spaziale e temporale scivola via e l’espressione è intensa come nessun’altra.
Anat Zecharia
Crediti
coreografia Ohad Naharin
Danzatori e danzatrici Yarden Bareket, Billy Barry, Yael Ben Ezer, Adi Blumenreich, Nathan Chipps, Matan Cohen, Guy Davidson, Iyar Elezra, Chiaki Horita, Sean Howe, Li-En Hsu, Londiwe Khoza, Adrienne Lipson, Ohad Mazor, Eri Nakamura, Gianni Notarnicola, Danai Porat, Igor Ptashenchuk, Yoni (Yonatan) Simon
Co-creatori Danzatori della Batsheva Dance Company e Ariel Cohen
Direttore artistico Lior Avizoor
Direttore esecutivo Dina Aldor
Disegno Luci Avi Yona Bueno (Bambi)
Scenografie e oggetti di scena Gadi Tzachor
Costumi Eri Nakamura
Disegno del suono e montaggio Maxim Waratt
Musiche Laurie Anderson e Kronos Quartet dall’album “Landfall” / “Metamorphosis II” di Philip Glass / “Madre Acapella”di Arca / Maxim Waratt
Batsheva Dance Company in coproduzione con Orsolina28 Art Foundation, Moncalvo
Coproduttori Torinodanza Festival / Teatro Stabile di Torino – Teatro Nazionale / Festival Aperto – Fondazione I Teatri, Reggio Emilia / Fondazione del Teatro Grande di Brescia
Si ringrazia Yula Gold, Simony Monteiro, Linda Brumbach, Michal Helfman, Yonatan Oppenheim
Major Sponsor Chelck Family Foundation
Supportato da Batsheva New Works Fund, American Friends of Batsheva, L’Association Pluriel pour l’Art Contemporain, The Zita and Mark Bernstein Family Foundation, Factory54
Con il sostegno dell’Ambasciata d’Israele in Italia
Partner
Fondatori
Con il sostegno di
Emanuel Gat
Żfinmalta National Dance Company
Ph. Fenech
Crediti
Direzione Artistica Paolo Mangiola
coreografia, musica e luci Emanuel Gat
additional music: Chick-p
costumi Holly Knowles
Assistente alla coreografia Anna Nowak
distribuzione Live Arts Management
Utopia is supported by Ambassade de France à Malte
ŻfinMalta is supported by VisitMalta, Faces, Osteopathy Malta, MeDirect Bank Malta.
La buona novella
Note di Neri Marcorè
Quando avevo più o meno 13 anni, una mia zia molto appassionata di De André mi regalò il vinile de La Buona Novella. Confesso che dopo averlo ascoltato un paio di volte finì nelle retrovie perché a quel tempo non fui conquistato né dalla musica né dai testi che componevano quello che può essere considerato uno dei primi, se non addirittura il primo, concept album della discografia italiana. Forse non era l’approccio più indicato, soprattutto a quell’età, per iniziare a scalare metaforicamente quella montagna che Faber, come lo chiamava il suo amico Villaggio, rappresenta ancora oggi. Tempo dopo cominciai ad apprezzare le sue canzoni grazie al doppio live suonato con la Pfm (al primo ascolto di un pezzo mi colpisce sempre più l’arrangiamento musicale, tra armonia e melodia; solo in un secondo momento pongo attenzione al testo) e da lì mi venne naturale esplorare la sua produzione fino ad allora e continuare a seguirlo nei dischi successivi, appassionandomi al suo sguardo originale sul mondo, alla cura delle parole, a quella voce profonda al cui registro, col passare degli anni, ho finito curiosamente per aderire. Al punto che circa dieci anni fa ho cominciato a eseguire parte del suo repertorio in concerti dal vivo, con la difficoltà di dover limitare la scaletta a una ventina di pezzi. Con Giorgio Gallione, il regista al quale sono legato da una collaborazione ormai ventennale, dopo aver messo in scena Gaber e molti altri autori, decidemmo di intrecciare le canzoni, le riflessioni di De André con le invettive e il pensiero di Pasolini, nello spettacolo Quello che non ho. L’impatto fu folgorante, tant’è che il cerchio immaginario non poteva che essere chiuso con una rappresentazione su De André o, per meglio dire, attraverso De André.
La Buona Novella infatti è un’opera polifonica che mediante metafora e allegoria parla dell’arroganza del potere, il quale mal digerisce gli uomini troppo liberi di pensiero, intralcio per l’esercizio del potere stesso, sia esso famigliare, religioso o politico. La spiritualità, intrinseca nel momento in cui si parla di Gesù e della Madonna, è però qui contemplata nella sua dimensione terrena, laddove “il più grande rivoluzionario della Storia” resta prima di tutto un uomo, con una fisicità che non lo rende diverso dai suoi simili. Eppure, nonostante i suoi limiti, ogni essere umano può compiere imprese straordinarie e dar vita a nuovi corsi ogni volta che non si pone al primo posto ma si mette al servizio di un bene superiore, collettivo.
Neri Marcorè
La Buona Novella secondo Fabrizio De André
Perché riproporre La buona novella? Perché, per i tempi in cui è stata scritta, si è trattato di un discorso, a parer mio rivoluzionario. E questo per due motivi: ho preso spunto dagli Evangelisti Apocrifi armeni, arabi, bizantini, comunque uomini, scrittori non appartenenti alla confessione di Cristo, insomma non il suo ufficio stampa. Ne è derivata una desacralizzazione dei personaggi del Vangelo, a vantaggio, credo, di una loro maggiore umanizzazione. Ma quando scrissi La buona novella (1969) eravamo in piena rivolta studentesca e ai meno attenti, vale a dire la maggioranza dei fruitori di musica popolare, il disco apparve come anacronistico. Ma cosa andava predicando Gesù di Nazareth se non l’abolizione delle classi sociali, dell’autoritarismo, in nome di un egalitarismo e di una fratellanza universali? È un po’ come se io mi fossi rivolto ai miei coetanei che si battevano contro smisurati abusi di potere e di autorità e avessi detto loro: Guardate che lo stesso tipo di lotta l’ha già sostenuta un grande rivoluzionario 1969 anni fa e tutti sappiamo come è andata a finire.
Perché, a parer mio (di allora come di oggi) la lotta contro l’autorità, il potere e i suoi abusi, va combattuta ogni giorno individualmente: certo, ci sono momenti e casi eccezionali in cui è meglio lottare insieme, ma questo insieme deve essere una somma di individualità, non un branco di pecore che lotta in dome di un’ideologia astratta e che si ponga come obiettivo quello di rimpiazzare attraverso l’imposizione dei suoi dogmi lo stesso potere contro cui lotta, nella logica di “leva il culo tu che ce lo metto io”.
Ora compito di un artista credo sia anche quello di commentare gli avvenimenti del suo tempo usando però gli strumenti dell’arte: l’allegoria, la metafora, il paragone. Io osservando la lotta studentesca e le sue istanze, quelle giuste e sensate, ho parlato di un’altra lotta sostenuta da un uomo 2000 anni prima che aveva obiettivi analoghi.
(…) il culmine etico della Buona novella sta nel Testamento di Tito. Il ladrone buono confuta, uno per uno, tutti e dieci i comandamenti mettendo in evidenza la contraddizione tra le leggi emanate dalle classi al potere per proprio comodo, e le difficoltà di attenervisi da parte di chi il potere lo deve solo subire, e osserva quelle leggi, quando le osserva, solo per scongiurare la minaccio della repressione. La buona novella, a parere mio fu allora un album, un discorso assolutamente moderno e per certi aspetti lo è ancora oggi.
Fabrizio De André
La Repubblica – 14 marzo 1999
Foto di Tommaso Le Pera
Orchestra della Svizzera Italiana
Alexei Ogrintchouk, direttore e oboe solista
Nella formazione musicale dei giovani l’OSI si qualifica per una stretta collaborazione a più livelli con la Scuola universitaria di Musica del Conservatorio della Svizzera italiana.
L’OSI è l’Orchestra residente al LAC Lugano Arte e Cultura (Ticino, Svizzera).
Orchestra residente al LAC Lugano Arte e Cultura (Ticino, Svizzera), l’OSI prosegue il suo cammino di successo sotto la bacchetta di Markus Poschner, Direttore principale dal 2015, fra accoglienze entusiastiche di pubblico e critica nei maggiori teatri e sale di tutta Europa, dalla Sala dorata del Musikverein di Vienna alla Philharmonie di Berlino, dal Grosses Festspielhaus di Salisburgo alla Kölner Philharmonie di Colonia. Dal 2022 il nuovo Direttore ospite principale è Krzysztof Urbański, succeduto in questo ruolo a Vladimir Ashkenazy.
Due le rassegne principali di cui è regolarmente protagonista l’Orchestra a Lugano: ”OSI al LAC” da autunno a primavera nella Sala Teatro del LAC e ”OSI in Auditorio” nella sede storica dell’Orchestra, l’Auditorio Stelio Molo RSI a Lugano Besso. A ciò si aggiunge l’innovativo formato ”be connected”, con eventi e concerti particolari per incuriosire nuovo pubblico.
In continuo sviluppo anche l’attività concertistica a Bellinzona (Ticino, Svizzera), dove l’Orchestra è regolarmente presente in diversi appuntamenti annuali.
Open air, cine-concerti e numerosi festival – tra cui il Locarno Film Festival – completano la programmazione, coinvolgendo un pubblico sempre più ampio.
Alexei Ogrintchouk
oboista e direttore d’orchestra
Alexei Ogrintchouk, laureato alla Scuola di Musica Gnessin a Mosca e al Conservatorio di Parigi, dove ha ricevuto insegnamenti da Maurice Bourgue, Jacques Tys e Jean-Louis Capezzali, si distingue come uno dei più straordinari oboisti nell’attuale panorama musicale. La sua eccellente abilità tecnica si unisce a un virtuosismo e un lirismo sorprendente. Originario di Mosca, Alexei ha iniziato a esibirsi in tutta la Russia, in Europa e in Giappone fin dall’età di 13 anni. È riuscito a conquistare numerosi concorsi internazionali, tra cui il prestigioso Concorso Internazionale CIEM a Ginevra quando aveva 19 anni. Ha ottenuto importanti riconoscimenti, come il Premio europeo Juventus nel 1999, due Premi “Victoires de la Musique Classique” in Francia nel 2002, il Premio Triumph in Russia nel 2005 e il Premio Borletti Buitoni Trust nel 2007. Inoltre, è stato selezionato per partecipare ai prestigiosi programmi Rising Stars e BBC New Generation Artists. A partire da agosto 2005, Alexei Ogrintchouk è stato nominato primo oboista solista dell’Orchestra del Concertgebouw di Amsterdam, diretta dapprima da Mariss Jansons e successivamente da Daniele Gatti. In precedenza, ha occupato la stessa posizione nell’Orchestra Filarmonica di Rotterdam con Valery Gergiev, ottenendo tale ruolo all’età di 20 anni.
Alexei Ogrintchouk, solista carismatico e tecnicamente brillante, combina l’esecuzione orchestrale con i suoi sempre crescenti impegni da solista e direttore. Ha eseguito concerti sotto la direzione di numerosi direttori d’orchestra, tra cui Mariss Jansons, Valery Gergiev, Gennady Rozhdestvensky, Seiji Ozawa, Fabio Luisi, Kent Nagano, Michel Plasson, Sir Andrew Davis, Daniel Harding, tra gli altri.
Ha collaborato come solista con prestigiose orchestre di tutto il mondo, inclusa la Concertgebouw Orchestra, le Orchestre dei Teatri Bolshoi e Mariinsky, l’Orchestra dell’Academia Nazionale di Santa Cecilia, tutte le Orchestre della BBC, oltre a esibirsi al Concertgebouw, ai festival di Monaco, Stoccarda, Mito-Torino musica, Praga, Verbier Festival, con varie orchestre da camera. Come direttore ha diretto l’Orchestra del teatro Mariinsky, l’Orchestre Philharmonique de Monte-Carlo, la Bruxelles Philharmonic, l’Orchestre National des Pays de la Loire, la Camerata RCO (Royal Concertgebouw Orchestra), la St Petersburg Symphony Orchestra, Riga Sinfonietta, Kremerata Baltica, Orchestre International de Geneve, Orquesta Barocca de Sevilla, Verbier Festival, Lausanne e Geneva Chamber Orchestra. Alexei Ogrintchouk è un musicista da camera di grande richiamo, che si è esibito in prestigiosi teatri e sale da concerto in tutto il mondo. Tra le sue esibizioni più memorabili figurano quelle al Theatre du Chatelet, al Theatre des Champs-Elysees, alla Cite de la Musique e all’Auditorium du Louvre a Parigi, al Concertgebouw di Amsterdam, al Musikverein di Vienna, al Royal Albert Hall e alla Wigmore Hall di Londra, alla Carnegie Hall di New York, all’Auditorium di Tel Aviv e al Suntory Hall di Tokyo.
È un ospite regolare dei più rinomati festival musicali, tra cui i BBC PROMS, MIDEM, Colmar, Lockenhaus, Verbier, Luzern, Berliner Festspiele, Santa Cecilia, Cortona, Edinburgh International Festival, City of London Festival e the White Nights, Crescendo, Svyatoslav Richter December Nights e Easter Festival in Russia.
I suoi partner per la musica da camera includono alcuni dei più grandi nomi del panorama musicale internazionale, come Gidon Kremer, Radu Lupu, Thomas Quasthoff, Misha Maisky, Vladimir Spivakov, Yuri Bashmet, Jean-Yves Thibaudet, Maurice Bourgue, Sarah Chang, Tabea Zimmermann, Nikolai Znaider, Valery Affanasiev, Julian Rachlin, Leif Ove Andsnes, Fabio Biondi, Alexander Lonquich, Dmitri Sitkovetsky e Sergio Azzolini, oltre ai rinomati quartetti d’archi Belcea, Eben, Sine Nomine e Tokyo. Nel settembre 2011, Alexei Ogrintchouk è stato designato come successore di Maurice Bourgue come professore di oboe presso l’Haute Ecole de Musique de Genève. Durante il periodo 2001-2011, è stato anche professore ospite presso la Royal Academy of Music di Londra. Inoltre, ha ricoperto il ruolo di professore al Musikene di San Sebastian (2009-2011) e dal 2010 al Conservatorio Reale de L’Aia.
Ogrintchouk tiene regolarmente una serie di masterclass, che includono la Pablo Casals Chamber Music Academy di Prades, la Mahler Academy di Ferrara, i Cursos de Verano di Bilbao, l’Academie Musicale de Villecroze, l’Aurora Academy in Svezia e la Weimar International Master Class.
Il suo primo CD, che presenta opere di Schumann, è stato pubblicato dalla rinomata etichetta Harmonia Mundi nella collana “Nouveau musician”, ricevendo recensioni eccezionali. La sua discografia include anche la registrazione della prima mondiale del movimento lento del concerto per oboe di Beethoven (Raptus Classics), opere di Britten (Record One), Skalkotas (BIS Records) e il concerto per oboe di Mozart con la Concertgebouw Chamber Orchestra (PentaTone Classics). Tra i suoi tre CD più recenti figurano i concerti per oboe di Bach, il concerto e il quartetto per oboe di Mozart, un recital con musica del XX secolo e il concerto per oboe di Strauss, tutti pubblicati da BIS Records.