Due esseri alla ricerca del loro animale interiore 
perché l’umanità li sorpassa 
perché hanno perso il loro istinto 
perché il mondo va troppo veloce, 
troppe parole, troppe lettere. 
Vogliono trovare le loro prime sensazioni 
preparandosi, cercando nei dettagli della vita quotidiana 
le porte aperte verso l’inizio di tutto 
prima degli uomini in piedi, 
prima degli uomini pensanti, 
essere nulla di più di quattro gambe 
respirare, soffiare, respirare, 
per trovare il primo respiro, il punto di partenza 
essere un essere che respira e guarda il mondo. 

Note di composizione di Massimiliano Viel

La maschera diventa qui emblema della soggettività sperduta di oggi, immersa in una realtà fluida dominata dalle istanze oppressive del mondo che finiscono col minarne il senso di realtà e le possibilità di autonomia. Unica via d’uscita è quella malinconia e rabbia violenta, che sono tipici del Pierrot di Albert Giraud, poeta belga autore delle 50 poesie della raccolta Pierrot lunaire: Rondels bergamasques, che è alla base sia del lavoro di Schoenberg che di quello presente.

Qui, come in Schoenberg, dominano i numeri 3, come le parti dell’opera ma anche degli strati compositivi che la percorrono, e 7, come i brani per ciascuna parte, ma anche il numero delle funzioni che ne definiscono l’armonia. È però soprattutto il 2, che è l’espressione di un dialogo con il lavoro di Schoenberg, a determinare lo sdoppiamento dei personaggi e dell’ensemble strumentale, tra il quintetto del Pierrot Lunaire da un lato e due strumenti caratterizzanti del Novecento, cioè le percussioni e la tastiera elettronica, ancora 7.

Il rapporto con il compositore viennese viene sviluppato come un processo di emancipazione che si avvia dalla prima parte, in cui vengono sostanzialmente usati gli stessi testi nello stesso ordine, fino alla terza, in cui vi sono prevalentemente testi che Schoenberg non aveva scelto e in cui la citazione del suo lavoro viene relegata sullo sfondo e resa quasi totalmente irriconoscibile.

Siamo finalmente alla terza e ultima parte, introdotta dalla supplica congiunta di lui e lei (15) per il recupero di una leggerezza del vivere che Pierrot sembra aver perso. Abbiamo poi una serie di brani (dal 16 al 19) in cui vengono presentati alcuni temi, volti a sottolineare i vizi del contemporaneo, come detto più sopra, i temi rispettivamente dell’avidità, della mania di controllo, dell’egocentrismo e dell’autorità conferita ai media. E infine del senso di realtà, che si annuncia, come l’alba, prima con la sua luce rosea (20) e finalmente con i colori  del mondo alla luce del sole (21), in un caos che è a un tempo meraviglioso ma anche faticoso e logorante, e che forse ci fa rimpiangere la gabbia “argentea” del buio e della luna, pronti a rifugiarci nuovamente in essa alla fine del giorno.

Concludo, con una nota. Tra Schoenberg, le citazioni e allusioni musicali e la costruzione di un sistema armonico specifico, il legame musicale dell’opera è sempre soggetto al suo autore e alle sue idiosincrasie. Per questo e proprio per il tema della soggettività contemporanea e del rapporto esplicito con un referente musicale del passato, cioè Schoenberg, ho voluto rendere l’opera un grande flusso di coscienza, in cui frammenti della mio personale mondo musicale si presentano, si mischiano e si trasformano pur, spesso, senza poter essere riconoscibili da gran parte del pubblico. Non si parli quindi di citazionismo o di postmodernismo, ma della tematizzazione di una continua lotta tra le forzate lusinghe di un mondo traboccante di stimoli, che è poi lo stesso in cui vive Pierrot, e la tensione dell’artista verso la costruzione, mai finita, della sua autonomia di soggetto creativo.

Direction Under 30

Direction Under 30, promosso da Teatro Sociale Gualtieri in collaborazione con la Fondazione I Teatri di Reggio Emilia, è il primo progetto interamente rivolto alla scena teatrale nazionale under 30 di artisti e spettatori. Presenta ogni anno 6 spettacoli finalisti, selezionati da una Direzione Artistica di spettatori under 30, fra quelli candidati al bando nazionale. Per la Direzione Artistica viene organizzato un ciclo di appuntamenti volti a formare e qualificare lo sguardo dei partecipanti verso i linguaggi del teatro contemporaneo, in vista della successiva selezione dei finalisti. Gli appuntamenti, quest’anno previsti online, si articolano in seminari, dialoghi e incontri con ospiti fra artisti, direttori artistici e operatori teatrali. Le selezioni degli spettacoli si svolgono dopo la scadenza del bando e alla fine del ciclo di incontri per la Direzione Artistica.

Gli spettacoli finalisti sono presentati dal vivo in una tre giorni che ha forma di festival: due spettacoli al giorno, per tutto il pubblico, al Teatro Sociale di Gualtieri. I partecipanti under 30 della Giuria Popolare e della Giuria Critica sono gli altri protagonisti di questi giorni: per 3 giorni dibattono insieme degli spettacoli e insieme nominano i vincitori dei premi. La Giuria Critica cura anche la redazione del festival, con la produzione di contenuti, recensioni degli spettacoli e racconti da Gualtieri, pubblicati sul Papavero Blog.

La drammaturgia del lavoro si basa su una selezione di poesie e scritti messi in musica interamente e linearmente da Stefano Gervasoni. Una serie di momenti ben connotati sul piano morfologico e sonoro si dispiegano a comporre un’anamorfosi della struttura di una grande cantata. Al suo interno figurano intermezzi durante i quali alcune composizioni di Josquin Desprez – sui temi del lamento, del compianto per la perdita di una persona, della deplorazione – vengono eseguite nella loro interezza primigenia dall’ensemble vocale, e allo stesso tempo assorbite nella trama del tessuto connettivo musicale originale dall’ensemble strumentale (come a far intendere, parafrasando Desprez: Déploration sur la mort de Pasolini). 

Alla struttura musicale si associa e integra profondamente la drammaturgia del video originale di Paolo Pachini, che unifica l’opera e la innerva sinergicamente per tutta la durata. In omaggio alla visione antropologica di Pasolini, il video presenta immagini poetiche ed esemplari dell’umano e della natura, poste in opposizione ai flussi mediatici contemporanei, esplorati e trasformati a loro volta dall’occhio della videocamera. Vengono rilette in chiave innovativa la complessità e le sottigliezze metacompositive del rapporto musica immagine. 

Dall’ibridazione dei linguaggi emerge un’espressione lacerata, ma anche talvolta conciliatoria, in omaggio allo sguardo crudo di Pasolini, il cui potere educativo mette a nudo le cose e le rende esemplari, tanto più in un mondo globalizzato del cui intreccio di modernità e ancestralità il poeta era stato profeta.